Al encuentro con gigantes
Daniela Edburg | Fotografía
Artista Texana-Mexicana que trabaja en los puntos de conexión entre ciencia, naturaleza y ficción principalmente a través del arte textil y la fotografía. Su trabajo resulta de la colaboración con amigos y conocidos y hace referencia a la literatura, la historia del arte y la cultura popular. En su más reciente proyecto, Daniela toma como punto de partida la novela Frankenstein de Mary Shelley para encontrar la relación entre la geografía de un cuerpo enfermo y los últimos respiros de un glaciar a punto de extinguirse.
Buscando crear conexiones a partir de sentirse fuera de lugar, ha realizado residencias en Islandia, España, Francia, Los Alpes Suizos, las Montañas Rocallosas de Canadá y los Estados Unidos, gracias al repetido apoyo del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes e instituciones como el Museé du Quai Branly y el Museo de Arte de Denver además del apoyo de espacios independientes como Cherryhurst House en Texas.
Sus piezas forman parte de colecciones públicas como la del Art Museum of the Américas de Washington D.C, el Museum of Latin American Art de California, el Denver Art Museum, el MFA Boston, el MOPA San Diego en Estados Unidos y el Astrup Fearnley Museet de Oslo, Noruega.
Vive en San Miguel de Allende, Guanajuato donde es miembro de Taller30, espacio colaborativo que alberga una cooperativa de artistas cuyo trabajo integra arte, tecnología, ciencia y sonido. Desde el 2017 forma parte del Sistema Nacional de Creadores con el apoyo del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes de México.
Mazapanes en agosto
Rebecca Uliczka | Fotografía
Este proyecto habla de una parte de nuestra cultura, la percepción individual y global del tiempo propio y ajeno. Hace referencia a una alteración de nuestro ritmo natural causado por el sistema económico de la globalización, que afecta a la agricultura, y es responsable del cambio climático, en donde los inviernos son cada vez más cálidos y la sociedad decide vender la temporada navideña en agosto.
Las haciendas mexicanas son espacios que quedan a modo de vestigio de un tiempo de esplendor económico en la revolución agrícola, apícola, ganadera y la producción de tequila y
mezcal. En estos espacios el tiempo ha pasado y queda el rastro de un momento efímero en el deterioro de sus muros que muestra versiones de un proceso de transformación y adaptación a las circunstancias.
El tiempo ha sido un elemento importante de mi vida, ya que refleja sentimientos momentáneos de desacuerdo con mi entorno. Mi padre de profesión maestro relojero siempre vive el tiempo con mucha precisión. El regalo más significativo de mi infancia fue un reloj de pulsera. Tuvo como finalidad entender el valor del tiempo ajeno. El tiempo ya no se regía sólo por el día y la noche, o la luz y la oscuridad, sino por un número específico, establecido por las manecillas del reloj.
Rebecca Uliczka
Destrucción se pronuncia construcción
Rodrigo Meneses | Gráfica
“…todo nuevo comienzo viene de donde otro nuevo comienzo termina.”
Closing Time – Semisonic
Como una línea progresiva y ascendente, la idea occidental globalmente extendida sobre el progreso histórico es una narración empleada para explicar la sucesión de eventos en diversos campos (político, nacional, científico, artístico, etc..) que opera como un discurso generalizado en favor del concepto de linealidad.
Esta idea lineal puede ser contrapuesta con algo tan cercano como nuestro pensamiento, el cual, sin embargo, se esconde tras el simple pero efectivo velo de la cercanía y cotidianeidad, impidiéndonos desentrañar el complejo proceso por el cual generamos ideas.
En busca de un modelo que detallara la arquitectura del pensamiento y su dinámica, el psicólogo Lev Vigotsky propuso como unidad de análisis al “habla egocéntrica” la cual se refiere al habla para uno mismo que exterioriza en forma parcial nuestro pensamiento que acompaña a la acción.
En la presente exposición, Rodrigo Meneses elabora representaciones gráficas a partir de fragmentos de sus procesos creativos previos, la manera en que se añaden, eliminan o expanden ideas en un proceso aparentemente errático pero que de una manera visual evidencia la no linealidad del pensamiento, Meneses recoloca el foco de la materialidad de la obra a la búsqueda por exteriorizar el proceso de pensamiento en la producción dentro del campo del arte, pero que subyace también en cada una de nuestras acciones cotidianas.
José Tercero
Un Tiempo en la Tierra
Ana Gómez y Federico Jordán | Cerámica
Ana Gómez y Federico Jordán | Cerámica
Ana Gómez y Federico Jordán | Cerámica
Un tiempo en la tierra es la huella de un conjunto de acciones que se adentran en el fango / procesos en donde las manos y los pies amasan y recolectan el barro // corteza y lirios secos que encienden el fuego de una quema primitiva / olfato que se despierta // transcursos que exploran y reconstruyen los afectos a partir de los territorios que nos circundan / el del cuerpo / el de la memoria / el del espacio compartido / el de la palabra / el ritual / los materiales y las formas //
Si bien la obra de Ana Gómez y Federico Jordán tienen búsquedas diferentes, en esta colaboración ahondan en un diálogo fluido a partir de la cerámica, el dibujo y la creación de figurillas, platos y vasijas. Dentro de la estancia de producción que Federico hizo en el taller de cerámica de Ana una de las propuestas que surgieron al hacer las piezas fue crear una arqueología inversa, enterrar las obras producidas dejándolas por un ciclo determinado bajo tierra para después observar cómo ocurre el tiempo en ellas.
A partir de estas reflexiones crearon quemas espontáneas con materiales recolectados y pintaron las cerámicas con barros de San Miguel de Allende, con sal, tizne y otros materiales endémicos; es por eso que las obras se perciben como un ida y vuelta de la tierra a la tierra; recorrer, desenterrar, elaborar topografías, escarbar, amasar, quemar, dibujar, restaurar, volver a quemar y tornar al lugar de origen.
Sobre la base de una continua y rica interlocución con los artistas y la galería, la muestra retoma elementos de la museografía arqueológica creando dispositivos de mediación como lo pueden ser nomenclaturas taxonómicas, enterramientos y registro de los procesos a partir de fotografías y video.
Tiempo / en sentido contrario / que se desacelera // lúdico //
Tierra / que se aferra a su horizontalidad frente a cualquier intento de progreso //
Selma Guisande
Curaduría
Espacio y Fundamentos
Elisa Urías | Gráfica e Instalación
“I wear black on the outside
cause black is how I feel on the inside”.
Unloveable, The Smiths
Grandes formatos, apropiación del espacio mediante la instalación, figuras recurrentes y un enorme desasosiego que me costó nombrar por días son los elementos reconocidos en esta exposición que conmueven los vínculos establecidos por años . Y una tonada que se repite una y otra vez.
En un mundo líquido, donde se acostumbra relacionar la palabra “paisajes” con coloridas imágenes captadas bajo un una luz dorada natural o los millones de filtros artificiales de las apps, Elisa Urías nos para frente a su inquietante obra para mirar / mirarnos al interior. Ese viaje interno que en algún momento de la vida todos debemos planificar.
La idea del negro como la mal llamada “ausencia del color” me parece ahora, después de recorrer la obra gráfica, un término equívoco para evadir nombrar el abismo que nos acompaña en casa, en el espacio público, en los muros, en los recuerdos, en lo que nos conforma, lo que nos hace personas y no perfiles. Porque podemos transitar una línea cronológica, una vida pública con historias de 60 segundos con las coreografías del momento, pero acá en el mundo tangible, hay artistas como Elisa haciendo reales nuestros fantasmas, esos que no salen en los reels y que bien ocultamos en los TikToks.
Con su obra gráfica, Urías nos sitúa frente a las profundidades y nos muestra los precipicios, los reconocemos porque están ahí con nosotros, duermen en nuestra cama, comen con la familia, caminan a nuestro lado mientras susurran una tonadilla de Los Smiths. Ahora los invito a asomarse / asomarnos a los abismos.
Tristana Landeros
La Divina Comedia
Rebecca Uliczka | Fotografía
En su exposición "La Divina Comedia", Rebecca Uliczka se Auto representa fotográficamente entrelazando las preguntas de la vida en escondrijos que la abrigan, siendo estos recovecos idóneos para reflexionar. Las imágenes fotográficas de Uliczka están impregnadas de un aura fantasmal cuya protagonista utiliza su propio cuerpo como un lápiz de luz dibujando sobre tiempos distendidos. Los cantos de Alighieri rompen el silencio y la llevan a generar abstracciones donde lo borroso se pierde y se difumina con las habitaciones retratadas. ¿Mirará la artista en los lienzos construidos las respuestas a las preguntas que se ha planteado?
Flor Acosta
