CUATRO MIL GRADOS CENTÍGRADOS (Incluso una leve luz provoca una sombra)
Selma Guisande
La práctica artística de Selma Guisande, es sin duda, una muestra de la relación de los procesos creativos (imaginativos) con los quehaceres de la cotidianeidad; nos conecta a través de una mirada minuciosa a detalles que se escapan a primera vista, pero que están presentes de forma constitutiva. Existe un metalenguaje que nos lleva de la proyección de una sombra a la complejidad de la figura humana, una figura que se resiste a sus propias formas y se expande a través de la luz y/o el color. La obra de Guisande refleja sus sentires sobre el mundo pero también sobre el cuidado de sí y los aspectos íntimos del ser humano; es posible experimentar desde esta propuesta artística, la dimensión política y al mismo tiempo este espacio de resguardo desde la creación misma.
Esta exposición está planteada desde dos posibles dimensiones, por un lado, una dimensión que expresa un amplio sentido social y político, tomando como referencia la eclosión de la bomba atómica en Hiroshima y las sombras humanas impresas sobre las calles de esta ciudad, como consecuencia del impacto de calor de “cuatro mil grados centígrados” emitidos por la bomba. Por otro lado, existe una dimensión más personal, más íntima, abordando temas relacionados a la memoria, la identidad, el cuerpo, el archivo, sin perder claro su relación con el contexto. En estas obras es visible la noción de movimiento, de tránsito, de continuidad, así como las referencias a la historia de la fotografía, que se enlazan a través de elementos como la sombra, la búsqueda de la copia de la copia, la noción de deconstrucción, la ausencia y presencia de color, la luz y la sombra como proyección, entre algunos otros elementos.
Esta exposición nos incita a observar los detalles, a mirar desde una óptica -otra- las posibles representaciones del cuerpo y sus desdoblamientos, sus imaginarios sociales, como una forma de dimensionar las implicaciones de la producción artística relacionada a la experiencia personal, histórica, contextual.
Co-curaduría: Fausto Gracia
RGB + pixel muerto
Juan Pablo Meneses
RGB + pixel muerto es una exposición concebida a partir de dos conceptos que son: RGB y Píxel. RGB es el modo de color más utilizado en la fotografía digital, y que está basado en la suma de los colores lumínicos primarios y a esto se lo llama síntesis aditiva. Por otro lado se hace alusión al Píxel es el elemento más pequeño de una imagen reproducida digitalmente. A partir de estos conceptos se genera esta muestra con imágenes pixeladas, videos con glitch y ruido blanco e intervenciones de fotografías Utilizando los colores rojo, verde y azul (RGB). A través de distintas estrategias del arte como: la intervención, la instalación, el video y la fotografía.
La fotografía lleva alrededor de 160 desde su invención y ha pasado por muchos cambios tecnológicos, desde la introducción de las cámaras digitales, el medio se modificó de manera inminente. Muchos se preguntan si las imágenes digitales siguen siendo fotografía, si reflexionamos teóricamente la primera fotografía de Joseph Nicéphore Niépce, no se parece nada a la producción fotográfica actual, desde hace varios años los fotógrafos comenzaron a utilizar otros recursos y disciplinas del arte para dilatar sus límites y campos de producción, y de tal modo la fotografía comenzó a redefinirse como imagen expandida.
La conceptulización de esta muestra es partir de la idea de la muerte del arte y la fotografía, retomando las ideas de Arthur Danto en Después del fin del arte y de Laura González-Flores y su texto La fotografía ha muerto ¡Viva la fotografía!. La idea es retomar el concepto del fin de arte, contextualizado a la postfotografía y explorando el concepto de muerte de la fotografía. ¿Qué ha sido ésta como imagen técnica y cómo las nuevas tecnologías han afectado sus modos de ver a la fotografía. La técnica no sólo ha sido el fundamento de la sintaxis fotográfica.
Curaduría: Selma Guisande
Corazón Egoísta
Dolores Hidalgo
Dolores Gidalgo contonúa su itinerancia por la región Bajío en esta ocasión en el Museo de Arte e Historia de Guanajuato en el marco de la celebración del cumplimiento de los 200 años del estado, llamando la atención con su modo de ser lúdico y mágico sobre distintos aspectos del mercado del arte.
DESTRUCCIÓN SE PRONUNCIA CONSTRUCCION
Rodrigo Meneses
En esta ocasión, el artista Rodrigo Meneses se presenta en la galería Hilario Bustos de la Universidad de Guanajuato. En esta exposición, Meneses elabora representaciones gráficas a partir de fragmentos de sus procesos creativos previos, la manera en que se añaden, eliminan o expanden ideas en un proceso aparentemente errático pero que de una manera visual evidencia la no linealidad del pensamiento, Meneses recoloca el foco de la materialidad de la obra a la búsqueda por exteriorizar el proceso de pensamiento en la producción dentro del campo del arte, pero que subyace también en cada una de nuestras acciones cotidianas.
La Preponderancia de lo Pequeño
Taller Treinta
Si toda la humanidad desapareciera el mundo se regeneraría al rico estado de equilibrio que existía hace diez mil años. Si los insectos desaparecieran, el medio ambiente colapsaría en el caos.
Edward O. Wilson
No se habla tanto de ellos, de la pérdida de las comunidades de insectos y lo devastadora que es ésta para la vitalidad de los ecosistemas y sus cadenas tróficas. Somos testigos ignorantes de la extinción masiva de una variedad de especies como consecuencia de las prácticas humanas enfocadas al crecimiento económico, la agricultura industrial tóxica, la destrucción del hábitat en función del progreso.
Hoy miraremos el problema a través de la lente sistémica y empática propuesta por T30, donde, haciendo uso de recursos tecnológicos y poéticos, les llamamos a reflexionar sobre la relación interespecie humano-insecto a través del análisis de algunos casos concretos.
Las piezas surgen de un proceso de trabajo colaborativo, el resultado del afán de no solo atestiguar sino acompañar los problemas que se presentan. Con cuestionamientos puntuales a partir de observaciones y procesos empíricos, exploramos posibilidades por medio del artefacto, la imaginación y la ficción.
El nuestro es un proceso de trabajo simpoiético que permite intercambios desde diferentes modos, lenguajes y perspectivas, logrando como resultado un grupo de piezas que se interconectan, divergen y elaboran a partir de un punto inicial compartido.
Mediante el cambio de escalas nuestra percepción se aguza, se nos invita a pausar y mirar lo que no vemos, se nos permite escuchar las voces diminutas que normalmente pasarían desapercibidas, ser testigos de la conversación entre dos insectos, uno apreciado por la humanidad y uno repudiado por ella, para finalmente entender que en ambos casos la atención humana deriva en un efecto devastador sobre la especie.
La ficción especulativa es un recurso importante en esta exhibición, que imagina soluciones a tragedias reales, como la construcción de un puente hecho de micelio para reconectar el paso interrumpido a todas las pequeñas especies tras la construcción de un masivo distribuidor vial que no les consideró en su proyecto. La propuesta es un primer paso hacia la sanación de lo que es una enorme herida en la montaña y en los ciclos de vida y migración de la fauna que la habita.
Otra posibilidad es la de crear una experiencia inmersiva a través de un espacio de escucha que da paso a la contemplación, con el propósito de nutrir el imaginario a partir de la voz de un artrópodo.
Por último, una respuesta a la potencial desaparición de una especie. Las luciérnagas prácticamente extintas en nuestro entorno. La pieza propone una simulación de estos seres en cautiverio, lo que resulta en una evocación tan nostálgica como siniestra.
Buscamos que este proceso nos lleve a conversaciones sobre cómo habitar de manera más respetuosa, valorando todas las demás especies tanto como la humana.
Mientras tanto la vida pide con paciente urgencia ser cuidada.
1- Simpoiesis es un término acuñado por Donna Haraway para definir la acción de "hacer con otros", hacer en acompañamiento.
Corazón egoísta
CDMX
En esta ocasión Dolores Hidalgo presenta Corazón Egoísta en Ache Galería. El proyecto está conformado por una obra pictórica colaborativa entre 80 artistas -en la que se reinterpreta la pintura homónima de la artista mexicana Olga Costa-, y un conjunto de piezas realizadas por el colectivo que oscilan entre vídeos, objetos y despliegues de carácter instalativo. Con una práctica diversa, crítica y lúdica, Dolores Hidalgo desafía el papel del artista en la sociedad contemporánea y explora la naturaleza del sistema del arte desde su condición globalizada. Dolores Hidalgo describe sus obras de arte como herramientas que surgen de un espacio imaginario, partiendo del estudio, juego e incitación.
Corazón egoísta
Dolores Hidalgo
En esta ocasión Dolores Hidalgo presenta Corazón Egoísta en Ache Galería. El proyecto está conformado por una obra pictórica colaborativa entre 80 artistas -en la que se reinterpreta la pintura homónima de la artista mexicana Olga Costa-, y un conjunto de piezas realizadas por el colectivo que oscilan entre vídeos, objetos y despliegues de carácter instalativo. Con una práctica diversa, crítica y lúdica, Dolores Hidalgo desafía el papel del artista en la sociedad contemporánea y explora la naturaleza del sistema del arte desde su condición globalizada. Dolores Hidalgo describe sus obras de arte como herramientas que surgen de un espacio imaginario, partiendo del estudio, juego e incitación.
